МОИ РИСУНКИ

                                 Львы

                    Падший ангел

 

      Смерть с косой

          Герб защиты

                 Шут

        Скорпион

      Красота сквозь мглу

         Собака

              Звери

Болтунович Алексей

У меня не такая огромная история жизни, как у великих писателей, но рисовать - это мое призвание! Может я не великий мастер, как Ван Год или да Винчи, но всему свое время!
Немного расскажу  о том, как я открыл в себе талант к рисованию.
Сидел как-то я за столом и раскрашивал рисунки. В како-йто момент я решил попробовать перерисовать рисунок, но сделал это с помощью копировальной бумаги. Это меня не устроило.  Я решил попробовать рисовать САМ!
Не знаю как, но я смог, правда не идеально, но это ведь не главное. Я прекратил рисовать из-за отсутствия времени, но спустя 2 года, я решил опять достать краски! На мое удивление, я нарисовал отлично. Не знаю почему так получилось. Но все говорят, что во мне  живет талант к рисованию.
Я  до сих пор рисую и с каждым годом у меня получается все лучше и лучше.
Жанр моих рисунков разный, для меня не существует одного жанра, с помощью которого, я бы держался одному стилю. Я рисую то, что мне нравится. На мое мнение, этого придерживались большинство великих художников. У каждого человека существует определенный талант, только не каждый его может открыть для себя и для остальных.


К моему рассказу я выложу стихотворение:

Ты - художник. В руках твоих - краски.
Мир мой - холст, нем под кистью твоей...
Ты на нём написать волен сказку,
Добрых гномов и ласковых фей;

Можешь силой, подвластной лишь ветру,
Прочь развеять туман суеты,
Написав безмятежность рассвета
Над беспечною гладью воды...

Там прибой нежно берег ласкает,
Робко балуют землю лучи... ,
Но.. взмах кисти - и всё исчезает,
Утопая в безглазой ночи:

Мириады звёзд в сердце вонзятся,
Словно россыпь осколков немых;
А могли ж они мне улыбаться -
Лишь движение б пальцев твоих!..

Пусть холста кисть легонько коснётся,
Превратит в гладь озёрную лёд,
Лучик бережный тёплого солнца
По щеке деликатно скользнёт...

Пенье птиц вместо криков вороньих
Пусть звучит в предрассветной тиши,
Слух невольно лаская спросонья...
КИСТЬ - В РУКАХ ТВОИХ.. слышишь? Пиши.....

Хочу всем начинающим художникам пожелать много идей и много ярких красок в их творческой жизни. Не теряйте свой талант, особенно если его оценивают окружающие!

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ О ХУДОЖНИКАХ

Когда Репин чуть не испортил свою картину «Иван Грозный и сын его Иван»?

В 1913 году душевнобольной иконописец изрезал ножом картину Репина «Иван Грозный и сын его Иван». Благодаря своевременным работам реставраторов картину удалось восстановить в первоначальном виде. Сам Репин приезжал в Москву и переписал голову Грозного в неприятной лиловой гамме, не вязавшейся с остальной гаммой картины, — взгляды на живопись у художника сильно изменились за 20 лет. Реставраторы убрали эти исправления и привели картину к точному соответствию её детальным фотографиям. А Репин, увидев восстановленную картину позже, ничего не заметил.

Почему Пикассо топил печь своими картинами?

В ранние годы своей жизни в Париже Пикассо был настолько беден, что иногда был вынужден топить своими картинами вместо дров.

 Почему Ван Гог решил стать художником?

Согласно легенде, выдуманной автором биографии Ван Гога немцем Мейер-Грефе, художник был сумасшедшим гением-одиночкой и мучеником и за свою жизнь продал лишь одну картину («Красные виноградники в Арле»). На самом деле Ван Гог только по официально найденным документам продал 14 картин, а до начала карьеры художника был профессиональным торговцем искусством. При выборе стиля живописи он принял стратегию, по которой его картины должны были восприниматься как хорошее украшение интерьеров домов среднего класса.

Как именно Ван Гог отрезал себе ухо?

Ван Гог отрезал себе не целое ухо, а только кусочек его мочки, что практически не больно. Однако до сих пор широко распространена легенда, что художник ампутировал себе всё ухо. Эта легенда даже отразилась в характеристике поведения больного, который оперирует себя сам либо настаивает на определённой операции — его назвали синдромом Ван Гога.

и многое другое...

Статьи взяты с http://muzey-factov.ru

Айвазовский Иван

Айвазовский Иван Константинович (Ivan Aivazovsky), 1817–1900, русский художник. Родился в Феодосии 17 (29) июля 1817 в семье армянского предпринимателя. Учился в петербургской Академии художеств у М.Н.Воробьева (1833–1839). Работал в Крыму, Италии, посетил также Францию, Англию и ряд других стран. Любил путешествовать, но с 1845 работал преимущественно в родном городе. Испытал особое влияние французской марины классицизма. Избавляясь от слишком резких контрастов классицистической композиции, Айвазовский со временем добивается подлинной живописной свободы. Бравурно - катастрофический "Девятый вал" (1850, Русский музей, Петербург), где достигнуто впечатление «безбрежного» морского пространства, может служить итогом его раннего периода. В самых хрестоматийных и по праву особо популярных своих картинах (таких, как "Черное море", 1881 и др.) Айвазовский, как никто другой сумел показать живую, пронизанную светом, вечно подвижную водную стихию. Живописец Главного морского штаба (с 1844), Айвазовский принимает участие в ряде военных кампаний (в том числе в Крымской войне 1853–1856), создав немало патетических батальных полотен (Чесменский бой, 1848, Феодосийская картинная галерея). Хотя он исполнил немало «чисто земных» пейзажей, среди которых выделяются украинские и кавказские виды, именно море обычно предстает у него универсальной основой природы и истории, особенно в сюжетах с сотворением мира и потопом; впрочем, образы религиозной, библейской или евангельской, иконографии, равно как и античной мифологии, нельзя причислить к самым большим его удачам. Целый ряд картин Айвазовский посвятил древней и новой армянской истории (Посещение Дж.Г.Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции, 1880, Картинная галерея Армении, Ереван). Айвазовский накопил большое состояние и известен также как щедрый благотворитель: в Феодосии на его средства были выстроены здания археологического музея, проведены работы по градоустройству, постройке порта и железной дороги.


Статья взята с http://smallbay.ru

Сандро Боттичелли

Эстетика Ренессанса, впервые проступающая в богословских сочинениях через античный и средневековый неоплатонизм, с оформлением возрожденческого неоплатонизма, философской основы гуманизма, с открытием перспективы, к концу XV века быстро достигает своего высшего развития в творчестве флорентийских художников, прежде всего Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи и Микеланджело. Перед нами ренессансная классика.

Отличительная ее черта, как говорит Алексей Лосев, «для возрожденческого человека материя оказалась пронизанной личностным началом, причем пронизанность эта была доведена здесь до полной неразличимости личностного бытия и бытия материального».

Можно сказать иначе: две стороны бытия - человеческое духовное и человеческое природное - сливаются до полной неразличимости, освещая одна другую, то есть светясь вдвойне. Отсюда неуловимое превосходство всех созданий представителей Высокого Ренессанса, хотя эта взаимопронизанность личностного и материального бытия имела свои особенности у Сандро Боттичелли, у Леонардо да Винчи, у Микеланджело или у Рафаэля и Тициана.

При этом необходимо учитывать то немаловажное обстоятельство, что художники эпохи Возрождения решали свои задачи в основном на сюжетах, взятых из Библии, чаще из Нового завета, а также античной мифологии. На первый взгляд, кажется, что их занимала сугубо религиозная или мифологическая тематика, как обращались к ней в другие эпохи. Но достаточно взглянуть на возрожденческих мадонн, чтобы понять, что между ними и Богородицей с младенцем на иконах, на которую молились и от которой ждали помощи, нет ничего общего.

Священный сюжет предстает светским портретом молодой женщины, имя которой даже известно. Что это? Вольность? Святотатство? Нет, художник выражает то новое в его личности, в его миросозерцании, - свободомыслие и всеобъемлющие горизонты человеческой истории и культуры. Ведь так же, как и с богородицей, он обходится и с Венерой. Здесь речь не только о самоутверждении личности художника, но и личности его персонажей. Здесь уже нельзя было обойтись подобием Мадонны, она должна быть явлена как живая личность во всей ее неповторимости, со всей выразительностью ее облика до полной интимности.

И все же иллюзия, что перед нами Мадонна с младенцем, нередко с волхвами или апостолами, достигалась, поскольку ренессансная эстетика свободно обходилась и со временем, соединяя прошлое и будущее в вечно настоящем, что позволяет миф. Возвышенный сюжет необходим, как миф, при этом он погружен в настоящее, ибо жизнь во всей ее конкретности возможна и прекрасна лишь в настоящем, в вечно настоящем. Теперь можно перейти к жизни и творчеству Сандро Боттичелли с его знаменитыми картинами «Весна» и «Рождение Венеры»

Сандро Боттичелли (1444-1510) родился во Флоренции и, по словам Джорджо Вазари, легко освоил все предметы, какие в то время обычно преподавались юношам, прежде чем они станут за прилавок. Но такая перспектива, очевидно, не улыбалась Сандро, он пребывал в беспокойстве, и отец его «с отчаяния посадил его за ювелирное дело», за которым юноша вдруг увлекся рисованием и проявил горячее желание стать живописцем, чему его отец не стал противиться, а скорее даже обрадовался.

Боттичелли учился у Фра Филиппо Липпи и, вероятно, у Верроккьо, у которого он мог встречать юного Леонардо да Винчи, то есть у лучших в то время художников во Флоренции. Боттичелли еще учеником выполняет работы в церквях, а к 25-27 годам становится известным во Флоренции художником картинами «Мадонна Евхаристии» (1471) и «Св. Себастьян» (1473). В них есть особенность, еще не в рисунке и в живописи, а в атмосфере задумчивости, в которой таится некая мысль.

Неудивительно, на молодого художника обращает внимание круг Лоренцо Медичи. Ведь в то время в церкви заглядывали, как в художественные музеи, чтобы ознакомиться с новыми работами художников, горячо обсуждали, создавая им славу по всей Италии. Сандро с его восприимчивостью, прислушиваясь к беседам членов Платоновской академии, несомненно проникся утонченными идеями неоплатонизма и гуманизма. Недаром время расцвета Платоновской академиии и расцвета творчества Боттичелли совпадает. Перемена в умонастроении Сандро, связанная с проповедями Савонаролы и его судьбой, говорит о том, что знаменитых картин Боттичелли, то есть его славы в веках, могло и не быть, если бы не круг Лоренцо Медичи.

Не только идеи, но и прямые заказы предопределили создание «Поклонения волхвов» (1475-1478), «Весны» (1477-1478) и «Рождения Венеры» (1484-1486).

«Поклонение волхвов» 

десь явно игнорируется эстетика Ренессанса и мировосприятие художников, что проявилось уже в воспроизведении Мадонны с младенцем как портрета конкретной молодой женщины, с апостолами, даже с папой. Священный сюжет для человека эпохи Возрождения не история с ее прошлым и настоящим, а миф, это явление вневременное и вместе с тем сиюминутное; миф не просто легенда, миф - сама жизнь. Эпизод из Евангелия раскрывается на сцене бытия, как в церкви перед изображением богородицы с младенцем, что на картине принимает характер театральной сцены.

Не только Мадонна с младенцем - портрет конкретной молодой женщины, если угодно, актрисы, играющей роль богородицы, но и все другие действующие лица оказываются в яви исполнителями своих ролей, что художник не скрывает, а скорее подчеркивает, изображая своих современников в их костюмах и самого себя среди них. При этом смысл священного события сохраняется, опять-таки, как на театральной сцене. Мистическое действо всецело перенесено в сферу искусства.

Картина, получившая название «Весна», имела программу, разработанную поэтом Полициано, что в двух словах звучит так: Venus - Humanitas (Венера - Человечество). Сандро, вероятно, лишь рассмеялся, выслушав поэта, но фантазия его разыгралась, и из-под кисти художника выходит картина, невиданная доселе. В ней все неожиданно до полной иррациональности. Нет далей и перспективой словно художник не владеет, плоский фон обозначен темными стволами деревьев, на которых вряд ли растут плоды, но они свисают, отдаленно напоминая Эдем.

Несколько эпизодов как будто не взаимосвязаны между собою, вместе с тем составляют единое целое, что достигается отнюдь не каким-то действием, а скорее пятнами телесного цвета, обнаженных частей тела и лиц. Стоит на краю полотна юноша с голым плечом, глядя вверх и в сторону от девушек, трех граций, нимф или ангелов в полупрозрачных одеяниях, подчеркивающих все изгибы их фигур, пребывающих словно в круговом танце. В середине картины дама в современном художнику платье в позе неподвижной статуи. За ее спиной светлый круг с веером стеблей, а над ее головой голый Амур с завязанными глазами и луком.

На правом краю картины женская фигурка в полупрозрачном одеянии, за которой гонится некто, не то сатир, не то Борей. И вот между ними и неподвижной дамой идет быстро молодая женщина в белом платье, разукрашенном цветами, с венками цветов на шее и голове, похожая, как сестра, на других, но с индивидуальными чертами и особенным выражением лица, нет сомнения, это портрет, а именно Симонетты Веспуччи, флорентийской красавицы, которую воспел в поэме Джулиано Медичи, а с ним и Боттичелли.

Похоже, Симонетта не была возлюбленной Джулиано, как все во Флоренции думали, иначе бы она не вышла замуж за другого; возлюбленная Джулиано родила сына уже после его гибели. Лоренцо взял сына брата в свою семью.

Картина получила название «Весна» в кругу Лоренцо Медичи. Ее символика была внятна и близка всем членам платонической семьи. Но самодовлеющая красота, помимо философских и эстетических тонкостей, ясна и близка всем и прежде всего всей гаммой переживаний художника, столь же обобщенных, сколь и глубоко интимных, что сумел он запечатлеть на все времена.

Очень легко представить, что Сандро был влюблен в Симонетту, облик которой он воспроизводит во всех картинах, даже в росписи в Сикстинской капелле (1481-1482). И здесь библейские и евангельские сюжеты, как в «Поклонении волхвов», Боттичелли трактует не в историческом плане, а совмещая разновременные события, так, сцены из жизни Моисея предстают как прообраз жизни Христа, как замечает историк искусства Арган, при этом можно кое в чем усмотреть намек и на современных художнику лиц и обстоятельства.

В те же годы в той же Сикстинской капелле Перуджино изображает «Передачу ключей апостолу Петру» как исторический факт, освященный догматами римской церкви. Совершенно ясно, это другой уровень эстетики и искусства, что мы находим у высших представителей Ренессанса.

По возвращении из Рима Боттичелли повторил, а скорее, заново продумав, может быть, не без помощи Полициано, создал «Палладу и кентавра» (1482), удивительную картину, содержание которой неуловимо и бесконечно. У Сандро здесь впервые проступает даль, осененная краем строения, похожего на руины, то есть фон воспринимается как современный, а на переднем плане кентавр (из туловища лошади высокий голый бюст мужчины с кудрявыми волосами и бородой, на лице мука) и женская фигура с длинным копьем, но в платье из той же материи и почти с теми же цветами, как у Весны. Лицо ее задумчиво, глаза открыты, но взор обращен вовнутрь. Паллада пальцами теребит волосы кентавра, что словно пугает его.

Некая тайна и вечность. Вполне возможно, перед нами символическое изображение интимнейших переживаний Полициано, считавшего себя уродом, которого не может полюбить женщина. Высокий трагизм бытия.

Поскольку картина по программе Venus - Humanitas обернулась «Весной», Боттичелли возвращается к ней и создает «Рождение Венеры» (1484-1486). И сразу становится ясно, что «Весна» - романтическая картина еще задолго до романтиков и по теме, и по поэтике. «Рождение Венеры» - это ренессансная классика и по теме, и по поэтике, хотя в последней сохраняются элементы романтической эстетики. Сандро и не думает о разработке перспективы, небо и море лишь обозначены, все у него неожиданно. Слева над морем две сплетенные фигуры, мужская и женская, Эол и Борей, ветры несут, очевидно, раковину, на которой спокойно стоит богиня, слегка прикрываясь руками, как всякая обнаженная женщина, на которую смотрят, поза живой натуры, в глазах отрешенность и грусть.

Справа обозначен темный берег с условными стволами деревьев и листьями, откуда женская фигура в современном художнику платье спешит накинуть на Венеру покрывало.

Картина насквозь символична. Перед нами древняя прародительница всего живого предстает обнаженной современной женщиной, отрешенно грустной, вместе с тем в ней проступает, говорят, и христианская идея рождения души из воды во время крещения. Телесная и духовная красота сливаются до полной неразличимости, светясь как естественность и чистота обнаженного тела прекрасной молодой женщины.

Вечная красота и грусть, что у художника превращается в тоску по идеалу или по утраченному.

В это время, в зените своей славы, Боттичелли, «как человек полный неожиданностей», по словам Джорджо Вазари, увлекается проповедями Савонаролы и иллюстрацией «Божественной комедии» Данте. Он обратился, а после гибели Савонаролы, когда многие во Флоренции, включая Марсилио Фичино, опомнились, Сандро вовсе забрасывает кисть и всецело отдается комментированию «Божественной комедии» рисунками. Эта работа была бы самоценна, как и живопись Боттичелли, если бы он в ней, как прежде, находил достоинство художника, а не повод для раскаянья и самоуничижения раба божьего, что повело и к тому, что он умер в нищете, по свидетельству Вазари. Моральная рефлексия, в которой он искал спасения, лишь погубила его гений, столь лучезарный, интимно понятный и близкий всем, кто соприкасается с его шедеврами «Весна» и «Рождение Венеры» через страны и столетия.

Что касается других картин - «Величание мадонны» (1483-1485), «Мадонна с гранатом» (1487), «Рождество» (1501-1505), - они интересны и знаменательны, но не они составляют славу Сандро Боттичелли.

Статья взята с http://greekroman.ru

Леонардо да Винчи

В этой статьи я расскажу о Великом художнике Леонардо да Винчи.

Цитата:    «Как хорошо прожитый день даёт спокойный сон, так с пользой           прожитая жизнь даёт спокойную смерть»

Леонардо да Винчи

Живописец, скульптор, архитектор, инженер, ученый всё это Леонардо да Винчи. Куда бы такой человек ни обращался, каждое его действие божественно настолько, что, оставляя позади себя всех прочих людей, он являет собою нечто дарованное нам Богом, а не приобретенное человеческим искусством. Леонардо да Винчи. Великий, загадочный, притягивающий. Такой далекий и такой современный. Подобно радуге, ярка, мозаична, разноцветна судьба мастера. Его жизнь полна скитаний, встреч с поразительными людьми, событиями. Сколько о нем написано, сколько издано, но никогда не будет достаточно.

Загадка Леонардо начинается ещё с его рождения, в 1452 году 15 апреля в городке к западу от Флоренции. Он был незаконно рожденным сыном женщины, о которой почти ничего не известно.

Мы не знаем ни ее фамилии, ни возраста, ни внешности, не знаем, была ли она умна или глупа, училась ли чему или нет. Биографы называют   молодой крестьянкой. Пусть это так и будет. Об отце Леонардо, Пьеро да Винчи, известно гораздо больше, но тоже недостаточно. Он был нотариусом и происходил из семьи, которая обосновалась в Винчи, по крайней, мере, в XIIIстолетии. Воспитывался Леонардо в доме отца. Его образование, очевидно, было таким, как у всякого живущего в маленьком городке мальчика из хорошей семьи: чтение, письмо, начало математики, латынь. Его почерк удивителен, Он пишет справа налево, буквы перевернуты так, что текст легче читать с помощью зеркала. В более поздние годы он увлекался ботаникой, геологией, наблюдениями за полетом птиц, игрой солнечного света и тени, движением воды. Все это свидетельствует о его любознательности и еще о том, что в молодости он много времени проводил на свежем воздухе, прогуливаясь по окрестностям городка. Эти окрестности, которые мало изменились за последние пятьсот лет, и сейчас чуть ли не самые живописные в Италии. Отец  заметил и приняв во внимание высокий полет дарования сына в искусстве, отобрал в один прекрасный день несколько его рисунков, отнес их Андреа Верроккио, который был его большим другом, и настоятельно попросил его сказать, достигнет ли Леонардо, занявшись рисунком, каких-либо успехов. Пораженный теми огромнейшими задатками, которые он увидел в рисунках начинающего Леонардо, Андреа поддержал сера Пьеро в его решении посвятить его этому делу и тут же договорился с ним о том, чтобы Леонардо поступил к нему в мастерскую, что Леонардо сделал более чем охотно и стал упражняться не в одной только области, а во всех тех, куда входит рисунок.

Ранний период творчества. Первая датированная работа Леонардо (1473, Уффици) – маленький набросок долины реки, видимой из ущелья; с одной стороны расположен замок, с другой – лесистый склон холма. Этот набросок, сделанный быстрыми штрихами пера, свидетельствует о постоянном интересе художника к атмосферным явлениям, о которых он позднее много писал в своих заметках. Пейзаж, изображенный с высокой точки зрения с видом на пойму реки, был обычным приемом для флорентийского искусства 1460-х годов (хотя он всегда служил лишь фоном картин). Рисунок серебряным карандашом античного воина в профиль демонстрирует полную зрелость Леонардо как рисовальщика; в нем искусно сочетаются слабые, вялые и напряженные, упругие линии и внимание к постепенно моделированным светом и тенью поверхностям, создающим живое, трепетное изображение.

Леонардо да Винчи был не только великим художником-живописцем, скульптором и архитектором, но и гениальным ученым, занимавшимся математикой, механикой, физикой, астрономией, геологией, ботаникой, анатомией и физиологией человека и животных, последовательно проводившим принцип экспериментального исследования. В его рукописях встречаются рисунки летательных машин, парашюта и вертолета, новых конструкций и винторезных станков, печатающих, деревообрабатывающих и других машин, отличающиеся точностью анатомические рисунки, мысли, относящиеся к математике, оптике, космологии (идея физической однородности вселенной) и другим наукам.

К 1480 Леонардо уже получал крупные заказы, однако в 1482 он переехал в Милан. В письме к правителю Милана Лодовико Сфорца он представился как инженер и военный эксперт, а также как художник. Годы, проведенные в Милане, были наполнены разнообразными занятиями. Леонардо написал несколько картин и знаменитую фреску Тайная вечеря, которая дошла до нас в полуразрушенном виде. Эту композицию он писал на стене трапезной миланского монастыря Санта Мария делле Грацие. Стремясь к наибольшей красочной выразительности в стенописи, он произвел неудачные эксперименты над красками и грунтом, что и вызвало ее быстрое повреждение. А затем довершили дело грубые реставрации и... солдаты Бонапарта. После занятия Милана французами в 1796г. Трапезная была превращена в конюшню, испарения конского навоза покрыли живопись густой плесенью, а заходившие в конюшню солдаты забавлялись, швыряя кирпичами в головы леонардовских фигур. Судьба оказалась жестокой ко многим творениям великого мастера. А между тем, сколько времени, сколько вдохновенного искусства и сколько пламенной любви вложил Леонардо в создание этого шедевра. Но, несмотря на это, даже в полуразрушенном состоянии, "Тайная вечеря" производит неизгладимое впечатление. На стене, как бы преодолевая ее и унося зрителя в мир гармонии и величественных видений, развертывается древняя евангельская драма обманутого доверия. И драма эта находит свое разрешение в общем порыве, устремленном к главному действующему лицу – мужу со скорбным лицом, который принимает свершающееся как неизбежное. Христос только что сказал своим ученикам: «Один из вас предаст меня». Предатель сидит вместе с другими; старые мастера изображали Иуду сидящим отдельно, но Леонардо выявил его мрачную обособленность куда более убедительно, тенью окутав его черты. Христос покорен своей судьбе, исполнен сознания жертвенности своего подвига. Его наклоненная голова с опущенными глазами, жест рук бесконечно прекрасны и величавы. Прелестный пейзаж открывается через окно за его фигурой. Христос – центр всей композиции, всего того водоворота страстей, которые бушуют вокруг. Печаль его и спокойствие как бы извечны, закономерны – и в этом глубокий смысл показанной драмы.

Недатированная картина Благовещение (середина 1470-х годов, Уффици) была приписана Леонардо только в 19 в.; возможно, более правильно было бы рассматривать ее как результат сотрудничества Леонардо и Вероккьо. В ней есть несколько слабых моментов, например, слишком резкое перспективное сокращение здания слева или плохо разработанное в перспективе масштабное соотношение фигуры Богоматери и пюпитра. Однако в остальном, особенно в тонкой и мягкой моделировке, а также в трактовке туманного пейзажа с неясно вырисовывающейся на заднем плане горой, картина принадлежит руке Леонардо; это можно заключить из изучения его более поздних работ. Вопрос о том, принадлежит ли ему композиционный замысел, остается открытым.

В Милане Леонардо начал делать записи; около 1490 он сосредоточил внимание на двух дисциплинах: архитектуре и анатомии. Он сделал наброски нескольких вариантов проекта центрально-купольного храма (равноконечный крест, центральная часть которого перекрыта куполом) – тип архитектурного сооружения, который ранее рекомендовал Альберти по той причине, что он отражает один из античных типов храмов и имеет в своей основе наиболее совершенную форму – круг. Леонардо нарисовал план и перспективные виды всего сооружения, в которых намечены распределение масс и конфигурация внутреннего пространства. Примерно в это же время он добыл череп и сделал поперечное сечение, впервые открыв пазухи черепа. Заметки вокруг рисунков свидетельствуют о том, что его в первую очередь интересовала природа и строение мозга. Безусловно, эти рисунки предназначались для чисто исследовательских целей, однако они поражают своей красотой и сходством с набросками архитектурных проектов в том, что и на тех, и на других изображены перегородки, разделяющие части внутреннего пространства. Помимо всего этого он не щадил своего времени вплоть до того, что рисовал вязи из веревок с таким расчетом, чтобы можно было проследить от одного конца до другого все их переплетение, заполнявшее в завершение всего целый круг. Один из этих рисунков, сложнейший и очень красивый, можно видеть на гравюре, а в середине его - следующие слова: Leonardus Vinci Academia.

Он был не только гением в искусстве, но и очень приятным в общении, что привлекал к себе души людей. Не имея,  можно сказать, ничего и мало работая, он всегда держал слуг и лошадей, которых он очень любил предпочтительно перед всеми другими животными, доказывая это тем, что часто, проходя по тем местам, где торговали птицами, он собственными руками вынимал их из клетки и, заплатив продавцу требуемую им цену, выпускал их на волю, возвращая им утраченную свободу. За что природа и решила облагодетельствовать его тем, что, куда бы он ни обращал свои помыслы, свой ум и свое дерзание, он в творениях своих проявлял столько божественности, что никогда никто не смог с ним сравняться в умении доводить до совершенства свойственные ему непосредственность, живость, доброту, привлекательность и обаяние.

Зрелый период творчества. Принёс ему первый заказ в 1483, это было изготовление части алтарного образа для капеллы Непорочного зачатия – Мадонна в гроте (Лувр; атрибуция кисти Леонардо более поздней версии из Лондонской Национальной галереи оспаривается). Коленопреклоненная Мария смотрит на Младенца Христа и маленького Иоанна Крестителя, в то время как ангел, указывающий на Иоанна, смотрит на зрителя. Фигуры расположены треугольником, на переднем плане. Кажется, что фигуры отделены от зрителя легкой дымкой, так называемым сфумато (расплывчатость и нечеткость контуров, мягкая тень), которое отныне становится характерной чертой живописи Леонардо. За ними в полутьме пещеры видны сталактиты и сталагмиты и подернутые туманом медленно текущие воды. Пейзаж кажется фантастическим, однако следует помнить утверждение Леонардо о том, что живопись – это наука. Как видно из рисунков, одновременных картине, он основывался на тщательных наблюдениях геологических явлений. Это относится и к изображению растений: можно не только отождествить их с определенным видом, но и увидеть, что Леонардо знал о свойстве растений поворачиваться к солнцу.

Деятельность Леонардо в первое десятилетие 16 в. была столь же разнообразной, как и в другие периоды его жизни. В это время была создана картина Мадонна с Младенцем и св. Анной, и около 1504 Леонардо начал работу над своей знаменитой картиной Мона Лиза, портретом жены флорентийского купца. Этот портрет  является дальнейшей разработкой типа, появившегося у Леонардо ранее: модель изображена по пояс, в легком повороте, лицо обращено к зрителю, сложенные руки ограничивают композицию снизу и так же прекрасны, как легкая улыбка на ее лице и первобытный скалистый пейзаж в туманной дали. Джоконда известна как образ загадочной, даже роковой женщины, однако эта интерпретация принадлежит 19 веку. Более вероятно, что для Леонардо эта картина была наиболее сложным и удачным упражнением в использовании сфумато, а фон картины – результат его исследований в области геологии.  Мона Лиза создавалась в то время, когда Леонардо был до такой степени поглощен изучением строения женского организма, анатомией и проблемами, связанными с деторождением, что разделить его художественные и научные интересы практически невозможно. В эти годы он зарисовал человеческий эмбрион в матке и создал последнюю из нескольких версий картины Леда на сюжет античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от соединения смертной девушки Леды и Зевса, принявшего образ лебедя. Леонардо занимался сравнительной анатомией и интересовался аналогиями между всеми органическими формами. Леонардо изобрел принцип рассеяния (или сфумато). Предметы на его полотнах не имеют четких границ: все, как в жизни, размыто, проникает одно в другое, а значит, дышит, живет, пробуждает фантазию. Итальянец советовал упражняться в таком рассеянии, разглядывая возникающие от сырости пятна на стенах, пепел, облака или грязь. Он специально окуривал дымом помещение, где работал, чтобы в клубах выискивать образы. Благодаря эффекту сфумато появилась мерцающая улыбка Джоконды, когда в зависимости от фокусировки взгляда зрителю кажется, что героиня картины то нежно улыбается, то хищно скалится. Второе чудо Моны Лизы в том, что она "живая". На протяжении веков ее улыбка изменяется, уголки губ поднимаются выше. Точно так же Мастер смешивал знания разных наук, поэтому его изобретения со временем находят все больше применений. Из трактата о свете и тени происходят начала наук о проникающей силе, колебательном движении, распространении волн. Все его 120 книг рассеялись (сфумато) по свету и постепенно открываются человечеству.

Леонардо никогда не спешил закончить произведение, ибо неоконченность - обязательное качество жизни. Окончить - значит убить! Медлительность творца была притчей во языцех. Он мог сделать два-три мазка и удалиться на много дней из города, например, благоустраивать долины Ломбардии или создавать аппарат для ходьбы по воде. Почти каждое из его значительных произведений незавершино. Многие были испорчены водой, огнем, варварским обращением, но художник их не исправлял. У Мастера был особый состав, с помощью которого он на готовой картине, будто специально проделывал "окна незаконченности". Видимо, так он оставлял место, куда бы сама жизнь могла вмешаться, что-то подправить.

Наконец достиг старости; проболев многие месяцы и, чувствуя приближение смерти, стал усердно изучать все, что касалось религии, истинной и святой христианской веры. Когда же прибыл король, который имел обыкновение часто и милостиво его навещать, Леонардо из почтения к королю, выпрямившись, сел на постели и, рассказывая ему о своей болезни, и о ее ходе. Доказывал при этом, насколько он был грешен перед Богом и перед людьми тем, что работал в искусстве не так, как подобало. Тут с ним случился припадок, предвестник смерти, во время которого король, поднявшись с места, придерживал ему голову, дабы этим облегчить страдания и показать свое благоволение. Божественнейшая же его душа, сознавая, что большей чести удостоиться она не может, отлетела в объятиях этого короля - на семьдесят пятом году его жизни.

 Леонардо умер в Амбуазе 2 мая 1519; его картины к этому времени были рассеяны в основном по частным собраниям, а записки пролежали в разных коллекциях почти в полном забвении еще несколько веков.

Потеря Леонардо сверх меры опечалила всех, кто его знавал, ибо не было никогда человека, который принес бы столько чести искусству живописи. Это мастер, который поистине с великой пользой для человечества прожил всю свою жизнь.

Да все его творчество - сплошные вопросы, отвечать на которые можно всю жизнь, да и последующим поколениям останется.

Знаменитые картины художника:

Мона Лиза

Мадонна с цветком

Мадонна в гроте

Мадонна Литта

Дама с горностаем

информация взята с http://worldleonard.h1.ru/

Приветствие

Здравствуйте все начинающие художники или любители рисовать!!!
В этом блоге я поделюсь любопытной информацией о Великих художников, и выложу интересные факты о них. Так же у вас будет возможность просмотреть мои  рисунки и оценить их по достоинству.